MONSTROUS  +  EXPLOSIVE  JUNCTIONS:   WORKING  WITH  HYBRID  FORMS       By     Myron  Campbell             A  THESIS  ESSAY  SUBMITTED  IN  PARTIAL  FULFILLMENT  OF  THE     REQUIREMENTS  FOR  THE  DEGREE  OF     MASTER  OF  APPLIED  ARTS     in     Media  Arts           EMILY  CARR  UNIVERSITY  OF  ART  +  DESIGN     2012                     ©  Myron  Campbell,  2012     Abstract     This  thesis  paper  addresses  a  personal  journey  into  a  longtime  fascination  with   mythological  hybrid  characters.  The  studio  component  of  my  thesis  work,  the  thesis  project,   entitled  In  the  Caves  of  Mt.  Ida,  BC,  is  an  interactive  animation  installation  that  depicts   moments  from  a  hybrid's  life  in  its  natural  habitat.  The  viewer,  while  engaged  with  the   animation,  must  remain  quiet  and  stationary  so  as  not  to  disturb  the  hybrid.  If  it  is  disrupted  or   annoyed  it  may  respond  unexpectedly,  perhaps  violently.     This  paper  also  describes  an  interest  in  interactive  narrative  and  non-­‐linear  storytelling.   It  uses  both  David  Clark's  88  Constellations  for  Wittgenstein  and  my  own  work  as  primary   examples,  for  dismantling  the  expectations  of  conventional  storytelling,  while  also  introducing   ideas  of  anti-­‐narrative  and  anti-­‐interaction.       My  method  has  been  informed  by  Giorgio  Agamben’s  theoretical  interpretations  of   umwelt,  as  a  means  to  illuminate  visualizations  of  a  hybrid  and  its  actions  and  reasons  for   being.    The  concept  of  umwelt  also  helps  to  establish  the  notion  of  the  monster:  if  the  hybrid  is   deprived  of  its  basic  needs,  or  carriers  of  significance  (as  described  by  Agamben),  then  the   monstrous  side  has  the  potential  to  reveal  itself.  I  use  the  concept  of  umwelt  as  a  lens  through   which  to  view  Mary  Shelley’s  novel  Frankenstein  and  Alan  Moore’s  graphic  novel  Swamp  Thing,   to  examine  the  complex  personality  of  a  so-­‐called  hybrid  monster  and  its  capacity  for  good  and   evil.  In  addition,  this  paper  also  examines  an  attraction  to  horror  and  the  abject,  by  way  of  using   Jan  Švankmajer's  film,  Little  Otik,  as  a  primary  case  study.     ii   Table  of  Contents   Abstract  ..........................................................................................................................................  ii   Table  of  Contents  ..........................................................................................................................  iii   List  of  Figures  .................................................................................................................................  iv     Acknowledgements  ........................................................................................................................  v     Dedication  .....................................................................................................................................  vi     Interruptions  ................................................................................................................................  vii   Interruption  #1  ................................................................................................................  viii   Interruption  #2  .................................................................................................................  18   Interruption  #3  .................................................................................................................  41     Introducing  Hybrids  ........................................................................................................................  1     Anti-­‐Narrative  and  Anti-­‐Interaction  ...............................................................................................  5   88  Constellations  for  Wittgenstein  (to  be  played  with  the  Left  Hand)  ...............................  9     Hyperreal  Hybrid  Methods    ..........................................................................................................  12   Une  Semaine  de  Bonté  ......................................................................................................  14     Understanding  Hybrids  .................................................................................................................  19   The  Narrative  Potential  of  Hybrid  Forms  ..........................................................................  19   Hybrid  Methodology:  Applying  Umwelt    ..........................................................................  21   Umwelt  and  Umgebung  ....................................................................................................  25   Frankenstein’s  Monster  ....................................................................................................  27   Swamp  Thing  ....................................................................................................................  30     Paradox  of  Horror  .........................................................................................................................  34   Facing  Fear  of  Hybrids  ......................................................................................................  34   Abjection  and  Hybrids  ......................................................................................................  36   Otik  ...................................................................................................................................  38     A  Way  Forward  .............................................................................................................................  42     Works  Cited  ..................................................................................................................................  44     Bibliography  ..................................................................................................................................  46     iii         List  of  Figures   Figure  1.  Myron  Campbell,  Angus  ..................................................................................................  1   Figure  2.  Myron  Campbell,  In  the  Caves  of  Mt.  Ida,  BC  ..................................................................  4   Figure  3.  Myron  Campbell,  In  the  Caves  of  Mt.  Ida,  BC  ..................................................................  8   Figure  4.  David  Clark,  88  Constellations  for  Wittgenstein  (to  be  played  with  the  Left  Hand),    .....  10   Figure  5.  Myron  Campbell,  Mu  study  sketch  ................................................................................  13   Figure  6.  Max  Ernst,  Dimanche/La  boue/Le  lion  de  Belfort    .........................................................  14   Figure  7.  Max  Ernst,  Une  Semaine  de  bonté  ou  les  sept  éléments,  Capitaux,  ..............................  16   Figure  8.  Myron  Campbell,  Michael  Study  Sketch  …………………………………………………………...........23     Figure  9.  Myron  Campbell,  Bambi  sketch  with  real  deer  ..............................................................  25   Figure  10.  Universal  Studios,  Frankenstein’s  Monster  ..................................................................  28   Figure  11.  Snyder,  Scott  (w),  Yanick  Paquette  (p),  and  Nathan  Fairbairn  (i),  Swamp  Thing  #2.    ..  31   Figure  12.  Moore,  Alan  (w),  Stephen  Bissett  and  John  Totleben  (p),  and  Tatjana  Wood  (i),   Swamp  Thing:  Love  and  Death    ....................................................................................................  32   Figure  13.  Myron  Campbell,  In  the  Caves  of  Mt.  Ida,  BC  ..............................................................  37   Figure  14.  Jan  Švankmajer,  Little  Otik  ...........................................................................................  38           iv   Acknowledgments     I  would  like  to  acknowledge  the  people  who  helped  me  throughout  this  thesis  project.  I  am  in   eternal  debt  to  my  supervisor,  Randy  Lee  Cutler,  who  constantly  challenged,  questioned  and   inspired  me  to  achieve  a  greater  understanding  of  my  work.  Throughout  my  thesis-­‐writing   period,  she  provided  encouragement,  sound  advice  and  lots  of  excellent  ideas  that  kicked  my   head  in  (in  a  good  way).  Thank  you  also  to  my  supervisor,  Maria  Lantin  for  her  endless  support   and  encouragement  and  for  her  interactive  expertise.  I  would  like  to  thank  Karolle  Wall  who   swooped  in  and  helped  me  attain  an  even  larger  clarity  in  my  writing.  And  thank  you  to  Michael   Boyce  for  helping  me  polish  this  beast  of  an  essay  and  for  lending  me  his  ears  and  brains  and   eyes  to  better  my  work.  I'll  give  them  back.  And  thank  you  to  all  members  of  the  graduate   faculty  at  Emily  Carr  University.  I  would  also  like  to  express  gratitude  to  the  entire  group  of   talented  students  I  shared  this  experience  with,  especially  Sean  Arden,  who  kept  me  sane  while   writing  this  paper,  Kristina  Fiedrich  for  her  excellent  critiques  of  my  work  and  Elisa  Ferrari  for   suggesting  that  I  read  Giorgio  Agamben.  This  thesis  would  not  have  been  possible  without  the   support  of  my  amazing  family.  Thanks  to  my  parents  and  my  sisters.  A  special  thank  you  to  my   wife,  Haley  Gurr,  for  encouraging  me  every  day  for  the  last  2  years  and  thank  you  to  my  little   muse,  Mya  Rose,  for  sharing  her  dreams  and  stories  with  me.               v       For  Mya  Rose   and  Ahmon       vi         Interruptions   Throughout  this  essay  there  are  a  series  of  interruptions.  They  are  excerpts  of   conversations  I  had  with  my  then  two-­‐year-­‐old  daughter,  Mya,  who  was  having  recurring   nightmares  of  monsters.  It  should  be  known  that,  to  my  knowledge,  no  one  has  explained  or   described  to  her  what  monsters  are.  Through  a  process  of  cultural  conditioning  (i.e.,  stories,   movies,  cartoons,  visits  to  the  aquarium,  etc.)  she  has  invented  what  she  believes  monsters  to   be.  My  understanding  of  them,  from  her  perspective,  is  that  they  are  “little  and  wet  and  have   bugs  for  teeth.”  In  her  recollections,  collected  in  the  thesis,  she  is  unable  to  distinguish  reality   from  dreaming,  and  her  fear  of  monsters  is  clearly  noticeable.  Until,  the  end  of  the  last   interruption,  when  after  a  few  failed  attempts,  I  am  finally  able  to  relieve  her  fear.     My  daughter’s  naive  viewpoint  on  monsters,  and  how  she  learned  empathy  for  them,   was  one  of  the  main  inspirations  for  the  direction  I  took  in  my  thesis  work.  It  caused  me  to   really  contemplate  the  creation  of  hybrid  characters  in  relation  to  understanding  their  motives   for  being.     vii   Interruption  #1:  Fear  of  Monsters  -­‐  03/27/11  -­‐  12:34am     I’m  writing  at  my  computer  and  I  hear  crying  coming  from  my  daughter’s  room.  When  I  go  to  check  on   her,  I  find  she  isn’t  just  crying  but  shuddering  with  sad  sobs.  “What’s  wrong?”  I  ask.  “M-­‐M-­‐Monsters  in   my  m-­‐mouth  again.”  she  whimpers.  She  is  so  sad  and  so  scared.  I  snap  into  autopilot.  I  don’t  want  to  see   her  cry  like  this  so  I  use  a  few  borrowed  phrases.  “Don’t  worry,”  I  assure  her.  “It  was  just  a  dream,  it   wasn’t  real.  There  is  no  such  thing  as  monsters.”       “R-­‐R-­‐Really?”  she  asks  while  wiping  tears  from  her  face.  “Really.”  I  reply  with  a  stern,  very  dad-­‐like,  tone.   But  in  my  mind,  I  know  I’m  full  of  shit.  I  remember  my  mom  using  this  phrase  on  me  when  I  was  a  little   boy.  It  never  worked  then,  why  would  it  work  now?     She  hugs  me  and  feels  better  for  now.  But  the  fear  is  still  lingering  and  is  sure  to  return.   viii   Fig.  1:  Myron  Campbell,  Angus,  2012.  Detail,  13  x  21  in.   Introducing Hybrids   During  the  first  year  of  the  Masters  of  Applied  Arts  degree,  I  started  to  uncover  a   reoccurring  theme  in  my  practice  of  creating  hybrid  characters,  such  as  Angus  (Fig.  1),  who  has   a  bear’s  head  and  human  hands.  It  was  not  a  conscious  decision  to  include  them.  Hybrids  were   just  something  I  was  naturally  drawn  to.  This  surprising  realization  started  the  process  of   unraveling  a  pre-­‐established  relationship  with  hybrid  forms  through  an  interest  in  experimental   narrative.       Historically,  a  hybrid  being  is  generally  understood  as  something  composed  of  two  parts,   often  conjoining  various  species.  However,  the  hybrid  being  explored  in  the  thesis  project  is  not   limited  to  a  compound  of  just  two  parts.  In  fact,  the  approach  was  to  challenge  the   1   stereotypical  hybrid  as  composed  of  two  entities.  Additionally,  the  project’s  aim  was  to  not   simply  imitate  characteristics  associated  with  the  species  that  comprise  the  hybrid.  For   example,  the  hybrid  is  not  immediately  evil  or  deceptive,  just  because  it  is  part  snake.  The   hybrid  explored  in  the  thesis  project  is  without  any  fixed  identity  and  is  representative  of  an   emergent  ontology1:  one  that  offers  a  constant  state  of  evolution,  blurring  the  boundaries  of   conventional  hybridity,  of  the  human  or  non-­‐human.  The  result  is  a  more  complex  and   engrossing  character,  that  adds  the  potential  for  a  more  layered  narrative.       For  over  ten  years,  I  have  been  naturally  drawn  to  animating  and  creating  hybrid   characters.  I’m  uncertain  why  this  happened,  but  I  assume  that  they  surfaced  through  an   interest  in  material  wherein  hybridity  is  operative,  such  as  in  certain  myths  and  fairy-­‐tales,  or  in   science  fiction  and  horror  films.  In  the  past,  my  work  was  influenced  principally  by  popular   culture:  comics,  novels  and  movies  —  but  now  I’ve  broadened  the  field  of  my  influences  to   include  philosophy  and  critical  theory  (particularly  as  it  relates  to  creative  practice).     My  methodology  is  newly  informed  by  Giorgio  Agamben’s  theoretical  interpretations  of   umwelt:  a  concept  originally  developed  by  zoologist  Jakob  von  Uexsküll  as  a  way  to  better   understand  animals.  Uexsküll  described  umwelt  as  an  internal  environment-­‐world  that  exists   conceptually  from  the  point-­‐of-­‐view  of  the  animal.  Agamben,  picking  up  on  his  idea,  theorized   that  there  are  specific  carriers  of  significance,  which  constitute  an  umwelt.    These  carriers  of                                                                                                                       1 The  hybrid’s  “emergent  ontology”  harmonizes  with  post-­‐humanism  theory.  According  to   philosopher,  Rosi  Braidotti,  “...post-­‐humanism  does  not  result  in  anti-­‐foundationalism.  It  rather   stresses  the  need  for  process  ontology.”  (Braidotti  199)  Therefore,  the  post-­‐human  hybrid   2   significance  are  elements  that  are  deemed  important  to  the  character’s  survival,  such  as  food   or  shelter  (40).     By  establishing  the  umwelt  as  a  framing  device  for  creating  hybrids,  I  hope  to  be  able  to   better  understand  their  actions  and  reasons  for  being,  and  thereby  also  have  a  clear  sense  of   how  to  visualize  them  and  their  respective  environments.  I  find  this  approach  so  effective,  that   it  has  altered  the  way  I  create  all  my  characters,  hybrid  or  otherwise.  The  process  is  more   informed  and  less  arbitrary.  Further,  the  concept  of  umwelt  has  also  set  the  stage  for  a   newfound  theory  of  mine  on  the  notion  of  monster.  If  the  hybrid  (or  any  animal  for  that  matter)   is  deprived  of  its  basic  needs,  or  carriers  of  significance,  then  the  monstrous  side  of  its   personality  is  likely  to  appear.  This  potential  for  horrific  acts  is  the  focus  of  such  hybrid   characters  as,  for  example,  Mary  Shelley’s  “creature”  in  the  novel  Frankenstein,  Alan  Moore’s   defender  of  the  swamp  in  the  graphic  novel  Swamp  Thing,  and  the  strange  baby  in  Jan   Švankmajer’s  film  Little  Otik,  all  of  which  are  to  be  discussed  later.     I  would  like  next  to  consider  hybrid  methods  that  are  employed  in  my  practice  utilizing   interactive  and  non-­‐linear  narrative,  or  what  I’m  calling  anti-­‐narrative.  My  thesis  project,  In  the   Caves  of  Mt.  Ida,  BC,  explores  this  type  of  experimental  storytelling  by  using  an  interactive   installation  that  reveals  animated  moments  of  a  hybrid’s  life  in  its  natural  habitat.  The  viewer,   while  engaged  with  the  animation,  has  a  choice  to  get  the  hybrid’s  attention  or  simply  observe.   Either  decision  elicits  a  unique  set  of  responses  consistent  with  what  I  have  designated  as  anti-­‐ narrative.     3     Fig.  2:  Myron  Campbell,  In  the  Caves  of  Mt.  Ida,  BC,  2012.  Still,  1280  x  720  px.       Mu,  the  main  character  of  the  thesis  project  is  a  hybrid  (Fig.2).  Questioning  an   anthropocentric  point  of  view,  it  serves  as  a  muse  to  a  self-­‐reflexive  process  of  discovery  and   understanding  of  my  current  art  practice.    A  non-­‐gender-­‐specific  hybrid,  Mu  is  constructed   through  various  collage  techniques.  Hundreds  of  digital  photographs  are  used  in  layers  to  blend   seamlessly,  producing  a  hyperreal  quality  within  Mu  and  its  world.  Like  a  Dr.  Frankenstein   experiment,  cat  skin  is  blended  with  human  flesh,  and  a  dog’s  tongue  with  a  dolphin’s  mouth.     Each  layer  adds  different  characteristics  to  the  hybrid,  exemplified  in  the  animation  when  it   growls  like  a  bear  and  hisses  like  a  cat.       Mu’s  environment  plays  an  equal  role  in  the  work  and  is  a  hybrid  unto  itself.  It  is  made   with  a  similar  collage  process,  combining  underwater  elements  with  those  found  above  the   4   surface.  This  is  evident  in  the  polyps  of  coral  woven  with  various  weeds  and  plants  that   surround  a  dining  room  table,  and  the  entire  environment  is  lit  with  a  series  of  electric  light   fixtures.  Mu  sometimes  crawls  across  the  ground,  sometimes  flies,  or  swims  from  room  to   room.  Mu  is  comfortably  at  home  in  its  environment,  suggesting  that  it  has  inhabited  it  for  a   long  time.     The  viewer  witnesses  moments  in  Mu’s  life  as  it  carries  out  routines  like  sleeping  and   eating.  Mu’s  daily  activities  are  the  story,  delivered  in  a  random,  unrepeatable  sequence.  As   viewers  observe  the  hybrid,  they  may  activate  elements  of  the  story  by  way  of  interaction   and/or  anti-­‐interaction.  In  this  way,  the  delivery  of  the  story  challenges  conventions  of  linear   narrative  and  introduces  aspects  of  anti-­‐narrative.       Anti-Narrative and Anti-Interaction   Anti-­‐narrative  is  not  void  of  narrative,  but  it  does  challenge  conventional  narrative.  The   prefix  “anti”  is  used  to  dispute  narrative,  challenging  its  history  and  tradition.  The  role  of  the   standard  linear  format  is  to  deliver  a  story  in  an  accustomed  fashion  similar  to  reading  a   conventional  three-­‐act  story  in  a  book  from  front  to  back  or  sitting  through  such  a  movie  from   beginning  to  end.  Each  viewer  experiences  the  delivery  of  the  story  in  roughly  the  same  way.   Anti-­‐narrative  operates  by  activating  a  disorienting  affect,  displacing  what  is  expected  because   of  the  habits  of  conventional  narrative.      This  does  not  mean  a  traditional  story  has  to  be  understood  in  a  linear  way.  For   example,  Christopher  Nolan’s  feature-­‐length  film  Memento,  (2000)  is  sequential,  but  starts  with   the  ending  and  moves  backwards  in  time  until  it  reaches  the  beginning.  Arguably,  this  is  not  a   5   customary  linear  narrative,  and  can  be  considered  non-­‐linear  because  of  its  fragmented   timeline  that  refuses  chronological  order.  However,  Memento’s  reverse-­‐sequence  is  fixed  and   each  viewer  is  led  through  a  sequential  linear  structure,  one  with  a  beginning,  middle  and  end.         Bangsø,  Olav  et  al.  distinguish  the  difference  between  linear  and  non-­‐linear  methods  in   a  paper  on  Non-­‐Linear  Interactive  Storytelling  in  the  following  way.      [A]  Story  is  linear  because  all  the  chapters  must  be  read  in  a  specific  order.  We   cannot  expect  a  coherent  narrative  to  result  from  any  random  order  of  chapters,  so   each  chapter  has  some  prerequisites  that  must  be  satisfied  by  the  preceding  chapters.   E.g.,  to  identify  the  murderer,  a  motive  and  an  opportunity  must  have  been  established.   In  contrast,  a  non-­‐linear  story  allows  chapters  to  be  read  in  different  orders  and  not  all   chapters  have  to  be  read.  In  a  non-­‐linear  interactive  story  the  reader  can  influence  the   order  of  chapters.    (2)     A  linear  method  is  primarily  passive  and  does  not  require  participation  or  interaction.  To   reiterate  the  example  in  the  above  quote,  to  understand  the  motives  for  the  murder  in  chapter   3,  you  must  first  read  chapters  1  and  2.  The  reader  understands  that  these  need  to  be  read  in   sequential  order.  The  type  of  anti-­‐narrative  employed  in  the  thesis  project  combines  the  non-­‐ linear  story  with  interactivity.  Rather  than  a  single  path  through  a  story,  the  anti-­‐narrative  has   multiple  entry  points  into,  possibly,  numerous  overlapping  stories.  In  this  way,  there  is  no  real   chronological  logic  to  the  sequence  of  events.  The  viewer  can  explore  the  so-­‐called  “chapters”   out  of  order  and,  in  fact,  it  is  encouraged.  A  certain  amount  of  participation  is  required  to   interpret  the  pieces  and  find  the  story  rather  than  have  it  delivered  in  a  passive  experience.  This   6   non-­‐linear  approach  challenges  linear  conventions  that  break  down  expectations  of  what  a   story  should  be  and  suggests,  instead,  what  it  could  be.       With  an  added  element  of  interactivity  comes  an  engagement  that  effects  the  direction   and  flow  of  the  sequence.  This  arrangement  relies  on  a  participatory  relationship  that  is   rewarded  with  a  narrative  or  unfolding  of  events.  “Interaction  is  a  relationship.  It’s  good  sex.   It’s  bad  conversation.  It’s  indeterminate  behavior,  and  it’s  redundant  result.  It’s  many  things,   none  of  which  can  be  done  alone”  (Meadows,  37).  This  quote  by  media  artist,  Mark  Stephen   Meadows  recognizes  the  relationship  that  inherently  fuels  an  unpredictable  interactive   experience.  This  is  not  to  say  that  traditional  narrative  cannot  be  interactive.  Interpretation   while  reading  a  linear  novel  or  watching  a  linear  film  can  be  considered  a  form  of  interaction,   albeit  a  very  subtle  one.  Meadows  continues:   An  "Interactive  Narrative"  is  a  narrative  form  that  allows  someone  other  than  the   author  to  affect,  choose,  or  change  the  plot.  The  author,  in  writing  [or  viewing]  this   narrative,  allows  the  reader  to  interact  with  the  story.”    (2)   Interactive  narrative  requires  a  participant  to  activate  and  engage  with  the  storytelling  aspect  of   the  work  and,  in  the  same  way  that  anti-­‐narrative  challenges  conventions;  anti-­‐interaction  is   employed  to  dispel  expectations  of  interactivity.  In  the  Caves  of  Mount  Ida,  BC,  the  story   unfolds  when  the  viewer  is  quiet  and  stationary.  Much  like  when  observing  some  real  animals,   if  hand  waving  or  shouting  is  detected,  Mu  does  not  appear.  However,  if  there  is  no  interaction   Mu  emerges  and  carries  out  one  of  several  quotidian  routines,  including  eating,  sleeping,   sexual-­‐satisfaction  and  self-­‐reflection.  Repeat  visits  can  result  in  varied  outcomes,  leading  the   viewer  randomly  through  the  routines  in  isolation,  out  of  context  from  the  other  sections.  This   7   fragmented  approach  emphasizes  slices  of  narrative,  putting  sections  of  the  story  under  a   microscope.  There  are  then  ‘moments  of  pause’  for  digesting  these  pieces  of  story  along  with   their  visuals.  Since  there  is  no  distinguishable  dialogue  or  explanatory  narration,  the  role  of  the   imagery  is  particularly  significant,  directing  the  narrative  using  an  exclusively  visual  mode  of   communication.     Fig.  3:  Myron  Campbell,  In  the  Caves  of  Mt.  Ida,  BC,  2012.  Still,  1280  x  720px.       Mu  may  get  tired  and  decide  to  rest  in  a  bed  of  newspapers  (Fig.  3).    Without  any   disruption  made  by  the  viewer,  it  continues  to  sleep  contently,  gradually  revealing  a  dream   sequence  shown  from  its  point-­‐of-­‐view.  Then  a  companion  character  joins  its  slumber,  nestling   into  Mu’s  bosom.  It  is  not  clear  who  this  new  character  is  or  its  relationship  to  Mu.  Eventually,   8   Mu  wakens,  fully  rested  and  continues  its  daily  activities  with  its  companion.  However,  if  Mu’s   sleep  is  disturbed,  the  second  character  may  be  in  danger.  Waking  from  a  restless  sleep  will   agitate  Mu,  causing  it  to  act  viciously  towards  the  visitor,  screaming  and  biting  at  them.     Paradoxically,  the  more  the  viewer  tries  to  interact  with  the  work,  the  more  frustrated  they   may  feel.  Too  much  shouting  and  commotion  agitates  Mu,  causing  it  to  act  violently  and  hide,   thus  halting  an  engagement  with  the  hybrid.     Impatient  spectators  may  witness  a  monstrous  episode  if  they  wave  their  hands  or   shout.  In  contrast,  the  patient  viewer  may  uncover  a  gentle  side  of  Mu  through  their  passive  (or   anti-­‐interactive)  approach  with  the  work.  Either  way,  the  reaction  of  the  viewer  is   unpredictable  and  their  interpretation  depends  largely  on  personal  choices  and  interactions,   thus  the  work  abandons  any  notion  of  a  premeditated  experience.  This  experimental  approach   has  been  chiefly  informed  by  the  oeuvre  of  the  artist  David  Clark,  whose  work  offers  a  breadth   of  possibilities  when  constructing  interactive  narrative.       88 Constellations for Wittgenstein (to be played with the Left Hand)     David  Clark  began  his  practice  as  a  filmmaker  approaching  narrative  in  a  very   conventional  way.  With  the  introduction  of  interactivity,  the  narrative  structure  began  to   change  along  with  how  the  viewer  engages  with  the  work.  Viewers  move  through  chapters  of   the  story  by  choice,  their  experience  customized  to  their  own  curiosity  and  interests.  This   approach  is  one  that  appeals  to  me  and  is  also  common  for  online  interactive  projects.  The   viewer  uses  the  computer  mouse  to  control  the  experience,  pointing  and  clicking  in  the   direction  they  wish  to  go.     9   There  are  many  examples  of  interactivity  within  the  installation  context  such  as  the  work  of   Canadian  artist  David  Rokeby.  In  this  essay  I  focus  on  one  artist,  David  Clark  who  has  directly   informed  my  explorations  of  interactivity.    Clark's  work  and  my  thesis  project  are  different  in   some  ways:  His  is  online,  and  mine  is  an  installation;  his  requires  use  of  a  computer  mouse,  and   mine  requires  only  a  body.  What  is  similar  is  the  role  of  participatory  experience  in  directing  the   flow  of  the  story.  In  both  cases,  convention  is  challenged  and  there  is  a  desire  to  restructure   what  is  expected  of  narrative.   88  Constellations  for  Wittgenstein  (to  be  played  with  the  Left  Hand)  is  an  online   exploratory  experience  made  up  of  short  animated  clips  inspired  by  the  life  and  work  of  the   philosopher,  Ludwig  Wittgenstein.  It  manifests  its  own  unique  definition  of  anti-­‐narrative  with   short,  documentary-­‐esque,  animated  clips  describing  moments  in  the  life  of  Wittgenstein,  in  a   non-­‐linear  fashion.  In  fact,  the  narrative  structure  is  as  fragmented  as  the  collaged  visuals   within.       Fig.  4:  David  Clark,  88  Constellations  for  Wittgenstein  (to  be  played  with  the  Left  Hand),  2009.   Still,  900  x  475  px.  Used  by  permission  of  the  artist.   10       The  viewer  enters  the  piece  through  a  star-­‐map  navigation,  (Fig.  4)  and  is  presented   with  88  stories  related  to  the  philosopher’s  life  in  the  form  of  constellations.  Each  story   provides  connections  to  other  stories  within  the  project.  The  resulting  constellation  of  hyper-­‐ linking  pathways  allows  for  a  unique,  non-­‐linear  experience  that  challenges  thoughtless   repetition.       Similarly,  In  The  Caves  of  Mt.  Ida,  BC,  uses  a  system  of  interactivity  that  is  also  difficult  to   repeat.  The  viewer  has  the  option  of  how  to  interact  or  not  interact,  and  those  choices  affect   the  delivery  of  the  story.  Both  Clark’s  and  my  own  artworks  feel  like  the  uncovering  of  a   relationship,  rather  than  a  direct  telling  of  a  story.  Within  interactive  narrative  there  is  a  need   for  exploration  and  connecting-­‐of-­‐the-­‐dots  (or  in  Clark’s  case,  stars).  The  viewer  can  move   through  the  density  of  either  works  at  his  or  her  leisure,  digesting  a  breadth  of  information  and   research  embedded  within  their  choices.       Media  artist,  David  Jhave  Johnston,  describes  88  Constellations  for  Wittgenstein  as  “a   consummate  example  of  hybrid  interactivity,  future  cinema,  net-­‐art  and  scholarship”   (Johnston).  I  would  agree,  and  I  appreciate  Johnston’s  use  of  the  term  “hybrid”  in  his   explanation,  because  Clark’s  work  does  incorporate  various  elements  to  make  the  whole.   Throughout  the  work,  the  viewer  witnesses  interplay  between  mediums  of  narration,  imagery,   music  and  interactivity.  Johnston’s  description  of  futurity,  interactivity  and  research  informs  the   use  of  hybridity  in  my  work,  i.e.,  merging  multiple  disciplines  to  make  up  the  whole.   Johnston’s  description  of  “hybrid  interactivity”  is  crucial  to  In  the  Caves  of  Mt.  Ida,  BC.  It   seems  rather  fitting  that  an  indeterminable  narrative  be  the  setting  for  Mu,  especially  since  I  do   11   not  pretend  to  have  all  the  answers  about  its  life.  In  fact,  this  type  of  narrative  allows  for  a  sort   of  ambiguity  that  enriches  the  story,  and  the  open-­‐ended  experience  of  it.   This  concept  of  interactive  narrative  helps  develop  the  following  section,  where  I   investigate  the  various  methods  of  hybridity  that  exist  in  the  thesis  project.  Or  you  can  go  to   page  18  for  a  nonlinear  experience  of  this  essay.       Hyperreal Hybrid Methods     It  seems  natural,  and  a  bit  serendipitous,  to  be  working  with  hybrid  disciplines  to  create   hybrid  characters.  In  The  Caves  of  Mt.  Ida,  BC,  is  constructed  completely  from  hybrid  or   transdisciplinary  techniques:  the  assembly  of  multiple  disciplines  like  drawing,  digital-­‐photo   manipulation,  photography,  sound  effects,  narrative  and  animation  with,  of  course,   interactivity.       The  act  of  deconstructing  materials  and  reconstructing  something  new  references   modernist  methods  of  art  making  such  as  collage,  assemblage  or  bricolage.  The  use  of  digital   tools  in  the  collage  work  I  produce  allows  for  seamless  compositing  of  images.  These  tools  offer   a  greater  flexibility  than  when,  for  example,  Pablo  Picasso  or  Hannah  Hoch  created  their  first   collage  work  in  the  early  20th  century.  I  have  control  over  scale,  orientation,  colour,  and  can   isolate  details  of  an  image  using  an  abundance  of  techniques  that  are  near  impossible  within   the  constraints  of  traditional  mediums.     What  these  tools  bring  to  the  collaged  hybrid  character  is  the  potential  for  a  seamless   rendering  that  possesses  a  manner  of  realism  or  hyperrealism  that  Jean  Baudriallard  describes   as  “the  simulation  of  something  which  never  really  existed”  (3).  Therefore,  what  is  rendered  is   12   beyond  real  or  even  surreal.  While  I  recognize  my  work  has  direct  linkages  to  surrealist  ideals,   for  the  sake  of  this  paper,  I  have  limited  its  elaboration.  What  should  be  emphasized  are  the   material  practices  present  to  construct  the  thesis  project  and  the  hyperrealistic  qualities  within.   Surrealist  artist  Max  Ernst  described  an  artist  using  collage  techniques  as  someone  who   ‘juxtaposes  two  apparently  incompatible  realities  on  an  apparently  unsuitable  scale  .  .  .  and  .  .  .   it  is  there  that  the  explosive  junction  occurs’  (Ernst  48).         Fig.  5:  Myron  Campbell,  Mu  study  sketch,  2011.  Ink  on  paper,  20.32  x  25.4  cm.     This  idea  of  explosive  junction  is  one  that  resonates  with  the  systems  I  use  to  produce   hybrid  characters  and  their  environments.  Drawing  and  sketching  is  a  central  component  early   in  the  process.  This  starts  to  shape  the  form  and  provides  a  firm  basis  on  which  to  construct  the   character.  From  there,  I  use  a  combination  of  searching  for  online  images  and  taking  digital   photographs  to  find  the  right  elements  to  include  in  the  work.  This  is  where  explosive  junction   happens.  I  wait  for  the  right  image  to  fit  in  the  composition  through  a  trial-­‐and-­‐error  method   within  Photoshop,  allowing  for  transformation,  manipulation  and  exploration  to  occur.  The   original  sketch  (Fig.  5)  produces  a  rough  idea,  but  the  choice  of  imagery  is  what  truly  defines   13   the  form.  This  process  allocates  a  space  for  discovery.  The  explosive  element  happens  when   unexpected  images  generate  a  certain  correspondence  and  fit  successfully  together  in  an   unexpected  way.                                                                                     Fig.  6:  Max  Ernst,  Dimanche/La  boue/Le  lion  de  Belfort,  1934.  Photomontage;  artist's  book,   28.58  x  23.18  cm.     Une Semaine de Bonté   While  there  are  many  examples  to  illustrate  use  of  hybrid  methods  in  art  making,  I  focus   on  the  collage  work  of  Max  Ernst  as  an  historical  context  for  the  thesis  project.  Ernst  was  a   German  artist,  involved  primarily  with  the  Dada  movement  and  Surrealism,  whose  work   contains  mythic  themes  and  anthropomorphism.  Ernst  used  hybrid  techniques  similar  to  my   14   own  to  create  his  hybrid  forms,  especially  those  presented  in  his  collage  book  entitled  Une   Semaine  de  Bonté,  (Fig.  6).     In  this  work,  Ernst  assembles  clippings  of  woodcut  illustrations  from  Victorian  novels,   encyclopedias  and  natural  science  journals.  Because  of  the  artist’s  decision  to  source  only   woodcut  illustrations,  the  images  blend  together  exceptionally  well  (despite  the  unavailability   of  contemporary  digital  tools).  In  its  illusionary  appearance,  it  is  sometimes  impossible  to  tell   where  one  image  ends  and  another  begins,  which  gives  it  a  ‘more  real  than  real’  (hyperreal)   quality.     The  artist  has  never  offered  a  full  interpretation  of  the  work,  although  art  historian   Malcolm  Gee  suggests,  “each  of  the  books  projects  recurrent  themes  of  sexuality,  anti-­‐ clericalism  and  violence,  by  dislocating  the  visual  significance  of  the  source  material  to  suggest   what  has  been  repressed”  (Gee).  This  quote  reveals  that  Ernst  may  have  been  dealing  with  was   his  own  demons,  which  he  expressed  in  his  work.  Among  many  characters,  LopLop,  a  bird-­‐ human  hybrid,  was  a  predominant  alter  ego  for  Ernst,  whom  he  used  to  manifest  qualities  that   reflected  his  own  instinctual  drives.  In  this  way,  he  was  hybridizing  himself  through  the  use  of   an  alter  ego.  They  allowed  him  the  freedom  to  visualize  his  unconscious  and  explore  his   repressed  desires.  Thus,  the  power  of  his  images  is  not  just  in  the  juxtaposition,  but  also  by  way   of  the  proximity  they  have  to  our  own  repressed  desires.       It  is  not  only  the  hybrid  that  carries  out  acts  of  cruel  maliciousness  amongst  Ernst’s   characters  in  Une  Semaine  de  Bonté,  it’s  also  the  human  characters.  The  idea  of  the  “monstrous   hybrid”  is  contrasted  with  stories  depicting  the  loving,  tender  side  of  these  creatures,  while  at   the  same  time,  portraying  humans  as  monsters  carrying  out  horrific  acts  of  violence.  In   15   conjunction,  the  human  is  associated  with  the  monster  and  the  monster  with  the  human,  thus   complicating  the  prejudice  of  the  hybrid  as  pure  monster,  and  suggesting  that  both  human  and   non-­‐human  are  capable  of  violent  acts.       Fig.  7:  Max  Ernst,  Une  Semaine  de  bonté  ou  les  sept  éléments,  Capitaux,  1934.  Photomontage;   artist's  book,  27  x  20.5  cm.       Malcolm  Gee  also  suggests  that  the  source  material  has  been  “dislocated”  from  its   intended  meaning.  New  messaging  emerges  by  juxtaposing  imagery  in  the  form  of  collage,  and   yet  I  would  argue  that  the  original  intent  is  not  dislocated  entirely.  For  example,  there  is  a   residue  of  a  bird’s  essence  left  with  the  head  of  the  crow  on  the  hybrid  figure  as  it  stands   tugging  the  hair  of  a  helpless  woman  (Fig.  7).  Something  raw  and  visceral  translates  through  the   head  of  a  crow  which  sits  on  top  of  a  human  body,  suggesting  that  the  monstrous  side  of  the   16   human  figure  has  become  too  much  and  has  begun  manifesting  a  visual  transformation.  Like   many  stories  that  include  hybrids,  some  of  which  I  explore  in  later  chapters,  Ernst’s  use  of  the   hybrid  character  can  be  interpreted  as  a  metaphor  for  the  monstrous  side  of  humanity.     The  act  of  collage,  no  matter  how  seamless,  will  leave  traces  of  its  source  imagery.  Each   image  contains  residual  traces,  adding  a  layer  of  meaning  that  overlaps  with  other  story-­‐ charged  images.  For  example,  within  the  face  of  Mu  there  are  traces  of  dolphin  in  the  mouth   that  also  resemble  a  bird’s  beak,  suggesting  it  could  be  of  either  (or  both)  the  land  or  sea.   Producing  collage  with  dolphin  or  bird  imagery  brings  a  history  of  these  animals  to  the   composition.  By  association,  this  gives  the  character  a  more  complex  context.  Even  though  it  is   unclear  what  exactly  Mu  is  made  from,  the  layered  materiality  carries  and  transmits  narrative   content  that  combines  with  the  character’s  actions.         It  is,  of  course,  impossible  to  understand  how  the  viewer  interprets  the  imagery  of  In  the   Caves  of  Mt.  Ida,  BC.  In  fact,  this  is  not  a  concern  while  making  the  work.  I  wish  only  to  allow  for   interpretation,  the  potential  for  narrative.  A  hyperreal  quality  in  the  work  allows  for  a   disorienting  affect  on  the  viewer,  while  at  the  same  time  inviting  a  comprehension  of  the   character’s  complex  ontology.     17   Interruption  #2:  Monsters  are  real  -­‐  03/29/11  -­‐  7:44pm     It’s  time  for  bed  and  Mya  won’t  go  into  her  room.  She  is  sitting  in  the  dark  hallway  with  her  head  down,   deep  in  her  hands.  Her  elbows  are  resting  on  her  kneecaps.  Her  long  blonde  hair  is  covering  her  face.   She  reminds  me  of  Cousin  It  from  The  Munsters,  which  is  kind  of  goofy,  but  she  also  looks  like  that   creepy  girl  from  The  Ring.  I  let  the  situation  grab  hold  of  me  and  I  feel  a  chill.  I  look  behind  me,   nervously.  Her  fear  is  affecting  me.  She  says  the  monsters  are  in  her  room  and  she  is  too  scared  to  go  in.   She’s  so  genuinely  afraid  that  it  almost  has  me  convinced  there  are  monsters  in  her  room.  I  start  to   picture  what  is  beyond  the  dark  threshold.  I  head  towards  the  door,  admittedly,  a  little  freaked  out  as  to   what  I  might  find.       There  is  nothing  there,  visibly  anyway.     I  realize  my  last  attempt  at  solving  her  monster  problem  was  a  failure.  Now  I  feel  like  a  liar.  I  told  her   there  was  no  such  thing  as  monsters  and  now  they’re  back.  I  wonder  what  she  thinks  of  me.  I  decide  to   try  a  different  approach.  I  pretend  they  are  real  and  I  found  them.  Once  again,  in  my  stern,  dad-­‐like   voice,  l  tell  them  to  ‘GO  AWAY,  MONSTERS,  SHOO!!’      If  they  come  back,  I’ll  just  tell  Mya  they  aren’t  good  listeners.     She’s  apprehensive  at  first  -­‐  until  she  comes  into  the  room  with  me  and  sees  they  are  not  there.  She   believes  they  are  gone.  However,  I  failed  to  foresee  that  if  they  have  the  ability  to  leave,  they  also  have   the  ability  to  come  back.   18   Understanding Hybrids   Conventional  ideas  of  the  hybrid  being  (such  as  the  Minotaur:  part  man,  part  bull  or  the   Harpy:  part  woman,  part  bird)  suggest  they  are  often  generated  from  merging  human  with   animal.    This  is  a  strange  designation  because  we,  as  Homo  sapiens,  are  animals.  While  I   recognize  that  we  are  all  animals,  I  will,  in  this  paper,  continue  with  the  conventional   designation  of  human  as  anything  that  is  Homo  sapiens  and  animal  as  all  other  animate  living   entities.     The Narrative Potential of Hybrid Forms    Watching  the  news,  I  am  astounded  with  how  dark  and  corrupt  human  behavior  can  be.   There  is  never  any  shortage  of  stories  about  murderers,  rapists,  child  molesters,  etc.   Disturbingly,  this  is  what  the  human  being  is  capable  of.  Within  the  animal  kingdom,  female   lions  do  not  often  copulate  with  their  lion  mate  while  raising  a  cub.  In  this  instance,  male  lions   have  been  known  to  maul  their  children  to  death  out  of  sexual  frustration.  There  are  also   reported  cases  of  bottlenose  dolphins  attacking  and  killing  non-­‐competing  porpoises  with   repeated  blows  to  the  abdomen  with  their  noses.  One  begins  to  wonder  why.  Why  commit   such  horrendous  acts  upon  another?  What  were  these  animals  (humans  included)  deprived  of   to  cause  them  to  behave  in  this  way?  Could  their  choice  to  do  harm  have  been  altered  had  they   not  been  deprived?  Or  is  it  purely  in  their  nature?  Humans  and  animals  are  complex  beings,  and   19   the  hybrid  blurs  the  boundaries  between  them,  while  still  containing  as  much  capacity  for  good   as  evil.  Philosopher,  Rosi  Braidotti  references  Donna  Haraway’s  cyborg2  when  she  states:     As  a  hybrid,  or  body-­‐machine,  the  cyborg,  or  the  companion  species,  is  a  connection-­‐ making  entity;  a  figure  of  interrelationality,  receptivity  and  global  communication  that   deliberately  blurs  categorical  distinctions  (human/machine;  nature/culture;   male/female;  oedipal/non-­‐oedipal).    (Braidotti  200)   According  to  Braidotti,  one  cannot  perceive  the  hybrid  as  securely  identified.  For  example,  Mu   is  indeterminable  in  its  gender,  having  characteristics  of  both  male  and  female  (breast  of  a   female  and  male-­‐pattern  baldness).  Perhaps,  the  very  essence  of  a  hybrid  is  that  they  inhabit  an   evolved  configuration  of  multiple  worlds,  and  multiple  species.  There  is  a  coalescence  of   ontologies  in  their  physical  makeup  (a  collage  of  sorts)  that  might  also  suggest  that  their  range   of  behavior  is  as  varied  as  their  bodily  form.       Hybrids  are  liminal  beings.  As  composites  they  possess  unpredictable  natures  that  are   intricate  and  convoluted.  The  merging  of  foreign  species,  behaviors  and  consciousnesses  foster   this  complexity.  They  remind  us  of  what  remains  of  our  core  animal  instincts  and  challenge  the   artificial,  socially  constructed  boundary  between  human  and  animal.       In  the  context  of  humans  who  identify  with  mythical  hybrids,  American  anatomist  D.S.   Lamb  states,  “One  of  the  most  striking  and  familiar  qualities  of  the  primitive  human  mind  is  the   disposition  to  personify”  (Lamb  277).  With  their  ongoing  presence  as  a  trope  in  storytelling,                                                                                                                       2 In  Cyborg  Manifesto,  Haraway  writes:  "A  cyborg  is  a  cybernetic  organism,  a  hybrid  of  machine   and  organism,  a  creature  of  social  reality  as  well  as  a  creature  of  fiction."  Haraway’s  cyborg  is  a   hybrid  that  rejects  boundaries  such  as  those  that  separate  human  from  animal. 20   animalistic  hybrids  can  be  understood  to  personify  certain  human  traits,  but  that  is  not  their   only  purpose.  In  the  following  section  I  analyze  options  beyond  anthropomorphic   personification  of  human  qualities  onto  such  hybrid  characters.     Hybrid Methodology: Applying Umwelt   In  the  process  of  generating  hybrid  characters,  I  have  sought  to  understand  how  they   are  interpreted  in  stories  and  art.  In  his  book  The  Open:  Man  and  Animal,  philosopher  Giorgio   Agamben  deconstructs  the  role  of  man  as  a  superior  being  and  the  effects  of  distinguishing   humans  from  animal  entities.  Agamben  utilizes  the  research  of  zoologist  Jakob  von  Uexküll  to   explore  various  methods  of  understanding  animals.  Uexküll  proposed  that  in  order  to   comprehend  animals  we  have  to  first  identify  their  umwelt.  Loosely  translated  from  German,   this  means  “environment”  or  “surrounding  world”  and  is  a  term  that  Uexküll  describes  as  a   being’s  internal  environment-­‐world,  which  exists  conceptually  from  the  point-­‐of-­‐view  of  the   animal.  As  Agamben  states     There  does  not  exist  a  forest  as  an  objectively  fixed  environment:  there  exists  a  forest-­‐ for-­‐  the-­‐park-­‐ranger,  a  forest-­‐for-­‐the-­‐hunter,  a  forest-­‐for-­‐the-­‐botanist,  a  forest-­‐for-­‐the-­‐ wayfarer,  a  forest-­‐for-­‐the-­‐nature-­‐Iover,  a  forest-­‐for-­‐  the-­‐carpenter,  and  finally  a  fable   forest  in  which  Little  Red  Riding  Hood  loses  her  way.    (41)   Agamben  then  theorizes,  “[t]he  first  task  of  the  researcher  observing  an  animal  is  to  recognize   the  carriers  of  significance  which  constitute  its  environment”(41).  These  carriers  of  significance   can  be  interpreted  as  elements  that  are  deemed  important  to  the  animal.  An  excellent  and   rather  gruesome  description  of  an  umwelt  by  Uexküll  is  revealed  in  a  later  chapter:   21   [T]he  eyeless  animal  finds  the  way  to  her  watchpoint  [at  the  top  of  a  tall  blade  of  grass]   with  the  help  of  only  its  skin’s  general  sensitivity  to  light.  The  approach  of  her  prey   becomes  apparent  to  this  blind  and  deaf  bandit  only  through  her  sense  of  smell.  The   odor  of  butyric  acid,  which  emanates  from  the  sebaceous  follicles  of  all  mammals,  works   on  the  tick  as  a  signal  that  causes  her  to  abandon  her  post  (on  top  of  the  blade  of   grass/bush)  and  fall  blindly  downward  toward  her  prey.  If  she  is  fortunate  enough  to  fall   on  something  warm  (which  she  perceives  by  means  of  an  organ  sensible  to  a  precise   temperature)  then  she  has  attained  her  prey,  the  warm-­‐blooded  animal,  and  thereafter   needs  only  the  help  of  her  sense  of  touch  to  find  the  least  hairy  spot  possible  and   embed  herself  up  to  her  head  in  the  cutaneous  tissue  of  her  prey.  She  can  now  slowly   suck  up  a  stream  of  warm  blood.    (46)   From  this  description,  the  umwelt  of  the  tick  can  be  characterized  as  having  three  carriers  of   significance:  first  is  the  need  for  a  temperature-­‐specific  liquid  which  happens  to  be  blood;   secondly,  a  particular  odor  that  emanates  from  mammals  that  they  are  drawn  to  and,  lastly,  the   ability  to  distinguish  the  hairy  parts  of  the  mammal  with  exposed  fleshy  areas.  With  these   carriers  of  significance  one  can  achieve  a  better  understanding  of  its  basic  modes  for  survival   and  actions  of  being,  allowing  for  insight  into  its  unique  existence.           22     Fig.  8:  Myron  Campbell,  Michael  study  sketch,  2011.  Ink  on  paper,  20.32  x  25.4  cm.       My  methodology  is  permeated  by  Agamben’s  proposed  system,  and  informed  by   Uexküll’s  research.  Together  they  help  for  an  understanding  of  the  creation  of  animal  worlds   and,  simultaneously,  inform  the  way  in  which  I  create  hybrid  characters.  Before  deciding  on   Mu,  I  came  up  with  30+  character  ideas  based  on  pre-­‐existing  hybrids  in  mythology  and  popular   culture  such  as:  Mickey  Mouse  (Fig.  8),  Bambi,  The  Human  Fly,  Medusa,  The  Minotaur  and  Hello   Kitty,  along  with  several  entirely  new  creations.  With  a  rough  idea  of  what  animal  components   the  hybrid  would  contain,  I  started  drawing  with  the  attempt  to  push  past  cute  and  cartoony,   and  consider  what  they  would  look  like  with  actual  flesh  and  bone.  The  next  step  was  to  list  and   define  the  personality  and  umwelt  that  wasn’t  just  an  evaluation  of  its  appearance  but  of  its   body  language  and  interior  world.     23   Mu  originally  began  as  a  re-­‐interpretation  of  The  Little  Mermaid  and  was  drawn  by   combining  human  parts  with  those  of  a  walrus  and  a  beluga  whale.  Later,  by  defining  Mu’s   carriers  of  significance,  a  better  understanding  of  both  its  umwelt  and  its  physical  appearance   were  developed.  In  the  final  rendering,  I  forced  myself  to  disorient  and  further  question   whatever  initial,  biased,  notions  of  its  behavior  and  environment  that  I  may  have  gathered,   based  on  my  original  sketch  and  of  the  stereotypes  that  follow  the  various  animal  components   that  make  up  the  hybrid.  This  is  in  an  attempt  to  empty  out  any  strong  associated  symbolism  in   order  to  create  a  new  personality.     Once  Mu  was  complete,  I  had  the  environment  to  consider.  Looking  at  Mu’s  unkempt   appearance,  my  first  thought  was  that  it  should  live  in  a  run-­‐down  shack  in  some  polluted  back   alley  somewhere,  eating  garbage.  The  problem  was  that  I  was  profiling  Mu  based  on  its   appearance.  I  wanted  to  challenge  my  own  preconceived  ideas  of  the  character  with  the   intention  that  the  viewer  would  also  be  challenged.  There  is  no  reason  why  it  couldn't  live  in  a   home  that  was  cared  for  and  kept  clean  in  areas  like  the  dining  room,  while  private  spaces,  like   the  bedroom,  were  left  a  mess.     I  acknowledge  that  it  is  virtually  impossible  to  generate  a  pure  umwelt  for  Mu  or  any   other  being.  Instead,  I  wish  to  separate  initial  projections  from  the  hybrid  entirely,  and  keep   questioning  its  reasons  for  being,  rather  than  jumping  to  conclusions  based  on  its  appearance.     Yet,  I  utilize  this  process  of  understanding  to  disorient  my  own  subjectivity  enough  to  create   what  I  hope  is  an  objective  space  in  which  Mu  can  exist  and  retain  some  ambiguity.  Uexküll  calls   this  objective  space  where  we  observe  other  animals  umgebung  –  a  term  which  is  elaborated   on  in  the  following  section  through  the  lens  of  animation.     24   Umwelt and Umgebung   Not  surprisingly,  as  an  animator,  I  have  been  investigating  hybrid  forms  within  the  realm   of  animation.  There  is  a  long  history  of  anthropomorphic  characters  in  animation,  prominently   seen  in  children’s  films.  Through  the  process  of  attributing  human  characteristics  to  animals,   films  like  Disney’s  Bambi  fail  to  consider  the  umwelt  of  a  baby  deer.  Bambi  is  a  puppet  made  to   carry  out  human  actions  (Fig.  9).  Evolutionary  biologist  Stephen  Jay  Gould  suggests  that,   Disney  animators  knew  well  that  the  large  eyes  of  Bambi  would  elicit  an  emotional   response  from  audiences  more  akin  to  the  affection  displayed  toward  a  human  child   than  if  they  had  drawn  the  deer’s  eyes  to  scale.    (Daston  and  Mitman  11)     Fig.  9:  Myron  Campbell,  Bambi  sketch  with  real  deer.  2012.  Drawing,  20  x  26  cm.   25     Through  anthropomorphism,  the  creators  of  children’s  animations  are  able  to  evoke  an   empathetic  response  from  the  audience.  Disney  characters  often  hold  true  to  stereotypes   derived  from  human  projections  and  exaggerations  of  animal  behavior:  the  timid  baby  deer,  the   mischievous  rabbit,  the  wise  old  owl,  and  the  villainous  snake.  Different  from  an  umwelt,  this   approach  reflects  what  Uexküll  describes  as  umgebung,  which  Agamben  summarizes  as,   [T]he  objective  space  in  which  we  see  a  living  being  moving.  Every  environment  is  a   closed  unity  in  itself  which  results  from  the  selective  sampling  of  a  series  of  elements  or   "marks"  in  the  umgebung,  which,  in  turn,  is  nothing  other  than  man's  environment.       (40-­‐41)     The  umgebung  is  the  space  where  an  outsider  can  perceive  the  umwelt  of  another.  The  main   difference  is  that  considering  another  living  being’s  umwelt  is  a  way  to  understand  how  they   subjectively  perceive  their  environments  whereas  remaining  in  the  umgebung  means  to  only   view  the  being  and  its  environment  from  an  objective  point-­‐of-­‐view.       Disney’s  umgebung  is  limited  to  showing  audiences  classic  stereotypes  in  many  of  their   characters,  while  animation  as  a  medium  has  the  potential  to  do  much  more  by  challenging   expectations,  blurring  boundaries  between  human  and  animal,  and  creating  fantastical  worlds   where  hybrids  exist.  There  is  no  discernible  way  to  understand  another’s  umwelt  entirely.    As   humans,  we  cannot  experience  the  umwelt  of  a  dolphin  or  bird  without  our  own  perspective   interfering.  In  this  way,  it  is  impossible  to  completely  escape  anthropomorphic  and   anthropocentric  tendencies  when  deciphering  the  behavior  of  another  being.  Yet  the  attempt   26   to  apply  the  sensibilities  of  a  particular  umwelt  disorients  the  umgebung  enough  to  mitigate   presumptions  and  projections  that  come  with  simple  anthropomorphism.       Working  across  time  and  genres,  I  am  fascinated  with  the  ongoing  fabrication  of  strange   hybrid  characters.  In  the  following  section,  two  classic  examples  of  fictional  hybrid  monsters  are   discussed  along  with  some  definition  of  their  umwelt.  Identifying  their  carriers  of  significance   aids  in  achieving  a  better  understanding  of  both  characters  that  reveals  insight  into  their   behavior  and  their  potential  for  violent  and  monstrous  acts.     Fig.  10:  Universal  Studios,  Frankenstein’s  Monster.  1935.  Drawing,  1,194  ×  1,499  px.   Frankensteinʼs Monster   The  tradition  of  monstrosity,  which  is  especially  evident  in  Mary  Shelley’s  1818  novel   Frankenstein,  continues  to  haunt  my  imagination.    Standing  over  8  ft  tall,  Frankenstein’s   27   monster  is  revolting  and  hideous.  His  grotesqueness  stems  partly  from  his  appearance  (a   slightly  translucent,  yellowed  skin)  and  partly  from  the  technologically  of  his  creation  (having   been  constructed  of  chemicals  and  the  assembly  of  stolen  body  parts  from  multiple  corpses)   (Fig.  10).  However,  his  behavior  can  be  read  as  more  complicated  than  a  straightforward   monster.  At  the  time  of  his  birth,  the  creature  is  caring  and  tender  and  as  innocent  as  any   newborn.  Unlike  his  mute,  dull-­‐witted  behavior  in  the  Hollywood  movie  portrayals,  Shelley’s   original  depiction  is  one  of  intelligence  and  kindness.  In  the  following  passage,  Dr.  Victor   Frankenstein  is  woken  with  a  start  by  the  creature  watching  fondly  over  him.   ...by  the  dim  and  yellow  light  of  the  moon,  as  it  forced  its  way  through  the  window   shutters,  I  beheld  the  wretch—  the  miserable  monster  whom  I  had  created.  He  held  up   the  curtain  of  the  bed;  and  his  eyes,  if  eyes  they  may  be  called,  were  fixed  on  me.  His   jaws  opened,  and  he  muttered  some  inarticulate  sounds,  while  a  grin  wrinkled  his   cheeks.  (57)   The  creature  is  undeniably  perceived  and  treated  as  wild  and  unruly  throughout  the  story.  After   numerous  attempts  at  integration  and  acceptance,  both  society  and  his  own  creator  reject  him.   This  results  in  the  creature’s  feeling  disgust  towards  himself.  Given  a  voice  in  the  story,  he   reflects,  “I,  the  miserable  and  the  abandoned,  am  an  abortion,  to  be  spurned  at,  and  kicked,   and  trampled  on”  (Shelley  210).  This  feeling  of  rejection  fuels  his  rage,  as  he  takes  revenge  on   his  unsympathetic  maker,  Dr.  Victor  Frankenstein.  The  monster  is  provoked  into  this  vengeful   state  as  a  result  of  a  love-­‐less  and  affection-­‐less  relationship  with  his  creator.  Perhaps  the   monster’s  need  for  “affection”  is  one  of  his  carriers  of  significance,  and  the  deprivation  of  that   carrier  gives  rise  to  a  brutal  temperament.  Although  there  are  numerous  violent  acts,  the   28   creature’s  embodiment  of  humanity  arguably  outweighs  his  acts  of  monstrosity.  Though  the   creature  makes  frequent  attempts  to  gain  friendship  with  others,  the  rejection  he  endures  and   the  deprivation  of  the  carrier  of  significance  (i.e.,  affection),  results  in  murderous  actions  on  his   part,  all  targeted  toward  Frankenstein’s  friends  and  family  members.  The  motive  for  horrific   acts  is  established  and  the  creator’s  monster  is  unleashed.       George  Levine,  an  editor  of  a  recent  collection  of  essays  on  Frankenstein,  observes:  "So   pervasive  has  been  the  recognition  that  the  monster  and  [Dr.]  Frankenstein  are  two  aspects  of   the  same  being  that  the  writers  in  this  volume  assume  rather  than  argue  it"  (Levine  15).  Dr.   Frankenstein  denies  having  any  involvement  in  the  initial  murders,  that  adds  to  rejection  of  the   creature,  and  leads  to  further  killings.  His  shame  and  fear  and  loss  of  social  standing  are   obstacles  to  the  well  being  of  his  loved  ones.  It  is  arguable  that  had  it  not  been  for  his  keeping   the  beast  a  secret,  the  murders  may  not  have  happened.  This  apparent  shame,  indirectly,  puts   the  blame  on  Dr.  Frankenstein  for  the  bloodshed.  This  man,  having  the  appearance  of   normality,  in  contrast  to  the  beast’s  inhuman  countenance,  harbors  the  monster-­‐within  that   grows  with  hatred  towards  his  creation.  I  agree  with  Levine  that  it  is  indeed  Dr.  Frankenstein   who  is  the  monster,  and  not  the  creature  after  all.     The  complex  behavior  of  Frankenstein’s  creation  demonstrates  an  infinite  potential  for   both  horror  and  beauty.  In  truth,  this  story  could  not  have  achieved  such  levels  of  horror  had   the  compassionate  side  of  the  creature  not  been  evident.    It  is  my  aspiration  to  achieve  this   quality  of  complexity  in  my  own  hybrid  characters,  and  effectively  destabilize  the  distinction   between  human  and  monster  for  the  viewer  –  or  at  least  to  challenge  the  conventional   opposition  of  them.   29   Swamp Thing   Swamp  Thing,  a  comic  book  created  by  writer  Len  Wein  and  artist  Berni  Wrightson  is   reminiscent  of  the  Frankenstein  narrative,  but  with  a  modern  twist.  In  the  origin  story,  Dr.  Alec   Holland,  a  biologist,  joins  with  The  Green,  an  elemental  community  of  all  living  plants  on  earth,   and  thus  becomes  Swamp  Thing,  inheriting  the  ability  to  animate  vegetation  and  communicate   with  all  plant-­‐life.  As  a  result  of  this  hideous  transformation,  he  becomes  a  powerful   supernatural  being,  but  he  is  tortured  by  his  ‘gift’  of  being  able  to  hear  the  voices  of  vegetation.   For  example,  in  the  following  frames  (Fig.  11),  he  can  hear  the  screaming  of  trees  being   strangled  by  other  plants.    He  describes  plant  life,  which  appears  to  be  beautiful,  as  the  most   vicious  strain  of  life  in  existence.     In  its  genesis,  in  1971,  Swamp  Thing  appeared  to  serve  as  the  perfect  stereotypical  hero   comic:  a  scientist  is  transformed  into  a  monstrous  humanoid  after  a  chemical  explosion,  and   who  then  fights  evil  in  a  crusade  to  regain  his  humanity.  Unfortunately,  this  was  not  compelling   enough  to  sustain  an  audience  and  after  a  huge  drop  in  sales,  the  book  was  put  into  retirement.   The  story  lacked  depth,  and  characterization  of  the  Swamp  Thing  was  an  all-­‐too-­‐familiar   revenge  scenario.     30   Fig.  11:  Snyder,  Scott  (w),  Yanick  Paquette  (p),  and  Nathan  Fairbairn  (i),  Swamp  Thing  #2.  2011.   Illustration;  comic  book,  17.15  x  8.5  cm.     Alan  Moore  resurrected  the  series  in  1982,  altering  the  origin  of  Swamp  Thing  by   evoking  ancient  mythological  folklore.  Moore  was  influenced  by  traditional  legends  of  “The   Green  Man”  who  was  said  to  represent  rebirth  and  "denote  fertility,  growth  and  renewal.   Green  leaves  are  symbolic  of  life  renewed"  (Varner,  192).  Drawing  from  this  rich  source   material,  Moore  began  to  develop  a  character  with  an  enhanced  and  intricate  behavior  more   conflicted  about  the  transformation.  He  feels  strength  and  power  as  Swamp  Thing  yet  still  longs   for  his  human  form.  Moore’s  version  inserts  a  degree  of  wisdom  into  the  character  that  was   previously  absent,  creating  a  riveting  narrative  quality  that  reveals  Swamp  Thing’s  unusual   ontology.  The  creature’s  origin,  as  described  by  a  scientist  in  issue  #21,  comes  after  Alec   Holland’s  death.     31   [Alec  Holland]  decomposes  [at  the  bottom  of  the  swamp].  Those  plants  eat  him.  They   eat  him  as  if  he  were  a  planarian  worm,  or  a  cannibal  wise  man,  or  a  genius  on  rye!  They   eat  him...and  they  become  infected  by  a  powerful  consciousness  that  does  not  realize  it   is  no  longer  alive!  It  was  a  plant  that  thought  it  was  Alec  Holland!    (Moore  11)     His  newly  merged  consciousness  begins  a  process  of  morphing  bones,  organs  and  flesh   from  various  sources  of  plant-­‐life.  Interestingly,  the  beast  in  this  case  is  not  a  human   transformed,  but  instead  a  memory  of  the  man  restored  from  “supple  plant  fiber”  (Moore  12).     Fig.  12:  Moore,  Alan  (w),  Stephen  Bissett  and  John  Totleben  (p),  and  Tatjana  Wood  (i),  Swamp   Thing:  Love  and  Death  Vol  2.  1984.  Illustration;  comic  book,  34  x  26  cm.       32   Along  with  Holland’s  residual  memories  come  recollections  of  a  woman  he  loves.  The   female  character,  Abby  Arcaine,  is  faced  with  reconnecting  with  her  past  lover  through  the   transformed  mess  of  vines  and  weeds  that  now  is  Swamp  Thing.  The  plant  creature  is  haunted   by  memories  that  are  not  quite  his  own,  yet  exist  within  him  as  the  residue  of  his  humanity.   These  memories  develop  into  a  renewed,  yet  transformed,  love  for  Abby  Arcaine,  one  that  is   reciprocated  over  time.  In  this  relationship,  the  reader  discovers  a  gentler,  more  humane  side   to  the  beast,  one  that  is  sensitive  and  caring  (Fig.  12).  However,  his  monstrosity  still  surfaces  in   the  face  of  danger,  when  he  rips  limbs  from  other  creatures  that  pose  a  threat  to  him  or  his   loved  ones.     Similar  to  Frankenstein’s  monster,  Swamp  Thing’s  makeup  is  constructed  from  torture   and  torment.  Regardless  of  its  monstrous  appearance  though,  the  desire  to  find  its  own   humanity,  while  not  over-­‐powering,  still  remains,  whether  through  the  physical  rebuilding  of  its   human  form  or  in  acquiring  the  love  of  a  woman.  The  creature,  still  filled  with  conflict,  is  tasked   with  administering  a  balance  between  human  beings  and  their  environment,  while  infected   with  a  willful  survival  drive  and  the  viciousness  of  plants,  animals  and  humans.  This  intricacy   allows  for  a  richness  of  character  and  draws  out  complex  emotions.       Moore  seems  to  have  understood  that  it  was  important  to  allow  the  reader  to  see   through  the  eyes  of  Swamp  Thing,  aiding  in  the  reader’s  experience  of  the  creature’s  umwelt.   One  of  Swamp  Thing’s  carriers  of  significance  could  be  interpreted  as  the  maintenance  of   balance  between  human  civilization  and  the  environment.  Another  could  be  love,  which  he   clearly  benefits  from.  One  carrier  of  significance  does  not  outweigh  the  other,  but  rather,  there   exists  a  balance  of  the  two  that,  in  turn,  ties  intrinsically  to  the  creature’s  existence.     33     Swamp  Thing  and  Frankenstein’s  creature  are  both  characters  that  can  be  easily   perceived  as  fearful  monsters.  They  are  grotesque,  oftentimes  vicious,  and  murderous.   However,  after  much  reflection  on  the  stories,  I  believe  that  this  negative  perception  becomes   harder  to  support.  By  defining  their  carriers  of  significance,  I  have  to  consciously  ask  myself:   What  do  they  need  to  survive?  What  food  do  they  eat?  What  are  their  privations?     Deprivation  is  of  particular  interest,  as  it  results  in  revealing  something  seemingly   monstrous.  For  example,  if  someone  steals  a  dog’s  T-­‐bone  steak,  it  could  get  vicious.  If  that  dog   is  starving,  it  may  even  attack  out  of  pure  desperation.  Yet,  supply  it  with  love,  affection,  food,   water  and  a  regular  run  in  the  park,  and  one  hopefully  experiences  a  tender  side  to  the  dog.   The  prospect  of  experiencing  fear  of  the  hybrid  is  one  that  must  be  acknowledged.  In  the   following  final  chapter,  an  attraction  to  horror  and  the  abject  are  examined  while  historicizing   some  common  trepidations  about  cross-­‐species.     Paradox of Horror Facing Fear of Hybrids   For  the  last  two  centuries,  the  hybrid  has  been  employed  in  films,  literature,  myths  and   fairytales  as  a  metaphor  for  the  dark,  monstrous  side  of  human  nature.  Works  such  as   Frankenstein  and  Swamp  Thing  represent  a  general  cultural  conditioning  to  fear  the  hybrid,   which  is  often  represented  as  a  disfigured  beast,  a  monstrosity  of  man,  and  an  adversary  of  the   brave  and  virtuous.  The  monstrous  hybrid  must  be  defeated  in  order  to  secure  the  natural   order  of  things  and  retain  a  triumph  of  good  over  evil.  In  1900,  D.S.  Lamb  writes  in  reference  to   the  “Mythical  Monster”   34    [W]e  shall  find  that  almost  without  exception  the  good  or  helpful  things  were   personified  by  forms  that  are  natural  or  normal  and  comely,  and  the  bad  or  hurtful  by   forms  that  are  unnatural  (so-­‐called),  abnormal,  and  uncomely,  perhaps  even  hideous   and  monstrous.    (278)    Hybrid  characters  arguably  contain  projections  of  impurity  and  are  therefore  associated  with   the  suggested  “badness”  that  Lamb  is  referring  to.  As  a  result,  the  hybrid  existence  is  usually   expressed  as  malformation  and  evil,  aiding  in  the  general  fear  against  hybridization.  Freak   Shows,  like  that  of  American  showman,  P.T.  Barnum’s,  began  to  be  very  popular  in  the  mid-­‐ 19th  century.  These  spectacles  showcased  “unnatural”  hoax  creatures  like  the  Feejee  Mermaid,   which  was  a  fallacious  mummified  half-­‐human  and  half-­‐fish.  Others  included  real-­‐life  oddities   like  the  deformed  Joseph  Merrick  who  was  coined  Elephant  Man  to  establish  both  fear  and   fascination  in  the  audience  with  the  adoption  of  a  hybrid  name.    On  the  surface,  these   creatures  can  be  terrifying.  Yet  the  monstrosities  and  creatures  of  the  freak  shows  like   Barnum’s,  according  to  philosopher,  Christopher  Cox,       can  easily  be  read  as  cruel  spectacles  that  primarily  serve  to  affirm  the  normality  of  their   spectators.”  Yet  historian  Erin  O’Connor  suggests  another  reading,  one  more  akin  to   Barnum’s  own.  In  the  freak  show,  ‘[m]onstrosity  does  not  register  defect  as  disease;   instead  it  makes  human  aberration  into  an  advertisement  for  a  new  embodiment.’       (Cox  22)   Mu  explores/proposes  a  new  ontology,  a  new  embodiment  that  transcends  the  hybrid  as   malevolent,  while  continuing  to  allow  for  the  potential  of  horrific  acts.  It  has  the  potential  to  be   either,  depending  on  the  interaction  with  the  viewer.  Mu’s  external  and  internal  configuration   35   crosses  boundaries  and  displaces  notions  of  purity  of  species,  challenging  thus  what  it  means  to   be  human,  animal  or  hybrid.  This  emergent  condition  of  being  allows  for  an  opportunity  to   examine  what  it  is  to  be  more  than  human  or  more  than  animal.  All  species  are  capable  of   carrying  out  monstrous  acts,  of  being  a  monster.  Fear  can  arise  at  the  thought  of  losing  what  is   deemed  important  in  one’s  life,  revealing  the  monster.  The  frightening  notion  is,  on  a  primal   level,  that  one  might  enjoy  losing  control.       Abjection and Hybrids   Contemporary  philosopher,  Noel  Carrol,  describes  a  “paradox  of  horror”  as  a  parallel   attraction  to  and  repulsion  from  the  genre  (160),  but  offers  an  opportunity  within  the  said   paradox  to  uncover  attractive  qualities  within  abject  hybrids.  First,  what  is  meant  by  abjection?   In  The  Powers  of  Horror,  philosopher  Julia  Kristeva  describes  abjection  as  the  loss  of  distinction   of  clear  boundaries,  stating,     It  is  thus  not  lack  of  cleanliness  or  health  that  causes  abjection  but  what  disturbs   identity,  system,  order.  What  does  not  respect  borders,  positions,  rules.  The  in-­‐ between,  the  ambiguous,  the  science,  the  shameless  rapist,  the  killer  who  claims  he  is  a   savior.    (4)       According  to  this  definition,  abjection  is  not  exclusively  a  response  to  filth  or  wretchedness;  it  is   to  filth  disguised  within  cleanliness,  or  to  the  hero  hidden  within  the  monster.  It  seems  that  for   Kristeva,  an  abject  being  contains  a  paradox:  it  does  not  respect  known  boundaries  and  consists   of  both  attractive  and  repulsive  qualities.  A  killer  can  have  an  initial  enticing  quality  about  him,   36   perhaps  to  lure  in  unassuming  prey.  This  method  of  disguising  evil  with  goodness  is  frightening,   making  the  monster  even  more  fearful,  since  it  is  initially  encountered  as  beautiful.       On  the  surface,  Mu  is  fleshy  with  many  visible  scars  and  blemishes  on  its  slightly   translucent,  blubbery  skin.  It  has  sharp  teeth  and  greasy  hair.  At  first  glance  it  is  repulsive,  yet  it   is  my  hope  to  counter  or  mitigate  this  repulsiveness  with  benevolent  acts.  For  example,  while   eating,  it  may  share  its  food  with  a  friend.  Therefore,  even  while  Mu  can  be  seen  as  abject,  it   demonstrates  a  moment  of  naïve  pleasure.  The  playfulness  it  shows  when  it  enjoys  a  flickering   light  counters  an  exclusive  reading  of  it  as  abject  (Fig.  13).  Mu’s  actions  are  unpredictable,   reinforcing  its  indiscernible  boundaries  of  good  and  evil.           Fig.  13:  Myron  Campbell,  In  the  Caves  of  Mt.  Ida,  BC,  2012.  Still,  1280  x  720px.         It  is  understandable  that  the  idea  of  a  hybrid  could  evoke  fear.  Mu  can  be  interpreted  as   abject  because  of  an  unusual  appearance  that  is  disparate  from  what  is  expected  of  humanity,   37   and  that  is  beyond  comprehension.  Interacting  with  In  the  Caves  of  Mt.  Ida,  BC,  allows  the   viewer  to  engage  Mu  in  its  own  world,  or  umwelt,  providing  an  opportunity  to  empathize  with   it.  If  this  were  to  happen,  it  could  blur  the  boundaries  of  human  and  animal,  human  and  hybrid.     The  elastic  realm  of  collage,  mixed  with  animation,  allows  for  exaggeration  within  hybrid   forms  and  their  environments.  It  gives  license  to  create  unconventional  yet  empathetic   characters.  The  strange  and  otherworldly  are  brought  to  life  (so  to  speak).  By  way  of  using  the   film,  Little  Otik,  by  Czech  stop-­‐motion  animator  Jan  Švankmajer,  I  have  examined  my  own   particular  application  of  the  “paradox  of  horror”  as  referred  to  by  Carroll.     Otik   Švankmajer's  worlds  are  always  in  a  state  of  flux:  inanimate  objects  become  animate,   characters  and  environments  constantly  change  and  transform.  What  is  familiar  is  altered  and   reconstituted,  echoing  the  Surrealist  motto  of  making  the  familiar  strange.     Fig.  14:  Jan  Švankmajer,  Little  Otik,  2000.  Film  still,  1920  x  1080  px.  Used  by  permission  by   Zeitgeist  Films.       38     Švankmajer  utilizes  animation  to  achieve  a  disorienting  affect  for  the  viewer.  His   characters  (such  as  a  dancing  T-­‐bone  steak  or  a  disembodied  head)  are  often  situated  within   the  context  of  the  real  world  (which  is  also  reminiscent  of  activating  Ernst’s  “explosive   junction”).  In  his  feature  film,  Little  Otik  (2000),  a  man  and  wife  care  for  Otik,  a  tree-­‐human   baby  boy.  An  introduction  to  Otik  shows  fundamental  infantile  qualities  like  innocence  and   naivety  that  are  attractive  and  create  empathy  for  the  creature.  As  he  ages,  his  hybrid  and   emergent  nature  is  revealed,  becoming  more  inhuman,  first,  by  eating  his  mother’s  hair  (Fig.   14),  and  later  by  killing  and  eating  the  neighbours.  But  just  when  Otik  is  at  his  most  monstrous,   he  befriends  a  little  girl  who  feels  sorry  for  the  creature,  and  so  the  viewer  may  echo  her   feelings  of  empathy.  Personally,  I  find  myself  rooting  for  the  beast.        Like  Frankenstein’s  monster,  Otik  has  been  forced  into  a  human  existence,  but  their   makeup  is  fundamentally  different.  Frankenstein’s  monster  is  timid  and  compassionate,   propelled  to  kill  only  because  of  a  lack  of  affection.  In  contrast,  a  raw  bestial  nature  resides  in   Otik,  echoing  Agamben’s  tick,  and  it  shares  a  similar  desire  for  blood  as  his  carrier  of   significance.  Otik  becomes  a  predatory  creature  because  the  need  for  blood  is  part  of  his   composition.  Unlike  Frankenstein’s  monster,  he  is  not  driven  by  circumstance  to  kill;  he  is  born   to  do  so.  Otik  is  at  first  treated  as  human,  but  it  rejects  this  projection  in  order  to  satisfy  its  wild   untamed,  animal  needs.  Certainly,  he  has  moments  of  tenderness  and  shows  human  qualities,   like  when  as  an  infant  he  is  laughing  with  his  mother.  But  these  serene  moments  of  Otik’s  youth   that  preface  goodness  are  later  countered  with  merciless  acts  of  murder.  And  yet,  Otik’s  child-­‐ like  naivety  still  exists  even  during  these  kills,  which  thus  compels  the  viewer  to  question  the   39   creature’s  responsibility  in  these  murderous  actions.  The  abject  nature  of  its  conflicting  drives   blurs  the  edges  between  savagery  and  innocence.     Otik  contains  a  blend  of  unquantifiable  traits  that  I  model  my  hybrids  after,  a  paradox  of   horror  that  inhabits  indecipherable  amounts  of  good  and  evil.  This  paradox  is  ultimately   unpredictable,  and  it  contains  an  intricate  configuration  that  is  only  partially  revealed  at  any   given  time.  What  is  first  interpreted  as  evil  is  made  questionable  —  however,  the  same  could   also  be  said  of  goodness.     I  see  it  as  important  that  I  treat  Mu  with  some  sensitivity.  In  order  to  successfully  present  virtue   within  a  hybrid  character,  I  must  simultaneously  reveal  viciousness  and  vice  versa.   40   Interruption  #3:  Monsters  are  your  friend  -­‐  04/02/11  -­‐  11:25am.     My  daughter  and  I  are  having  breakfast  with  her  Grandmother.  When  I  mention  the  monster  nightmares   to  her  I  can  see  Mya’s  mood  shift.  Her  shoulders  haunch  and  she  looks  down  at  her  plate  of  pancakes.   She  is  getting  scared  thinking  about  them  again.  Her  Grandmother  recognizes  this  and  jumps  in,  “Mya,   don’t  worry  about  monsters.  They  are  just  lonely  and  all  they  really  want  to  do  is  play  with  you.  So  next   time  you  see  one,  just  invite  it  to  come  and  play  with  you  and  it  won’t  scare  you  anymore.”       Mya  is  apprehensive  about  this  but  her  Grandmother  is  very  convincing.  I  jump  in  too.  “You  don’t  have   to  be  scared,  Mya.  I  think  they  are  more  scared  of  you  than  you  are  of  them.”  Another  borrowed  phrase   but  it  seems  fitting.       Not  long  after,  Mya  tells  me  the  name  of  her  new  monster  friend,  Ahmon,  and  then  says,  “Monster’s   nice  now”.       And  I  believe  her.       41   A Way Forward     My  daughter  Mya  has  become  a  significant  component  to  my  ever-­‐changing   methodology.  Our  talks  and  her  naïve  perspective  on  the  world  directly  influences  how  I  think   of  the  characters  and  worlds  I  create.  One  can  only  speculate  as  to  how  these  visions  and   stories  affect  her.  I  suspect  because  of  our  many  conversations  about  monsters,  Mya   exaggerates  her  stories  to  amuse  me,  which,  of  course,  they  do.       The  interruptions  that  appear  so  abruptly  in  this  paper  are  partially  an  embellishment  on   my  part  to  further  experiment  with  narrative,  but  they  also  contain  a  fundamental  link  to   umwelt.  One  of  Ahmon’s  carriers  of  significance,  according  to  my  mother,  is  friendship.  It  just   wants  companionship,  and  when  it  was  deprived  of  this,  it  got  angry  and  scary.  Of  the  three,   the  last  interruption  is  my  favorite.  When  it  was  happening,  I  remember  thinking  about  how   lucky  Mya  was  for  having  such  an  enlightened  Grandmother  to  offer  her  a  unique  assessment   of  monsters.       These  interruptions  were  just  three  of  many  conversations  I  have  had  with  her  about   monsters.  And  actually,  while  writing  the  first  drafts  of  this  paper,  I  decided  to  ask  her  about   them  again.  “Do  you  ever  see  your  monster  friends?”  I  ask?  “No”,  she  replies.  “They  are  mean   and  stinky  and  cry  too  much.  And  they  don’t  listen.”  Hmmm.  Maybe  they  are  just  not   compatible.     This  project,  and  this  essay,  has  come  to  an  end  and  yet  it  doesn't  feel  like  the  end.   Along  with  Mya,  the  device  of  umwelt,  as  interpreted  by  Agamben,  has  forever  altered  my   method  of  visualizing,  not  just  hybrids,  but  all  the  characters  and  environments  I  will  potentially   create  in  the  future.  I  see  this  as  the  start  of  a  more  focused  trajectory  into  the  creation  of   42   hybrids  and  characters,  with  the  intent  to  break  down  preconceived  notions  of  monstrosity.  I   am  also  interested  in  the  larger  undermining  of  conventional  approaches  not  just  in  imagery   but  also  in  all  methods  used.  This  newfound  technique  of  creation  has  altered  the  way  I  develop   characters,  hybrid  or  otherwise.  The  process  is  more  informed  and  less  arbitrary.  Once  I   determine  a  character’s  umwelt,  there  is  a  wealth  of  personality  that  can  be  revealed  in  even   the  most  banal  actions  and  visuals.  With  this  addition  to  my  development  process  of  listing  a   characters  umwelt,  I  look  forward  to  the  characters  I  am  going  to  meet  in  the  future.     My  intention  is  to  continue  working  on  a  series  of  interactive  installations  much  like  In   the  Caves  of  Mt.  Ida,  BC,  perhaps  by  introducing  the  hybrids  to  each  other,  crossing  over   narratives  from  one  character  to  the  next.  What  I  find  endlessly  rewarding  about  this  entire   process  is  a  newfound,  more  informed  way  to  consider  my  research  and  my  praxis.  It  is  in  the   space  in  between  these  two  components  that  I  intend  to  spend  most  of  my  time.                         43   Works  Cited   Agamben,  Giorgio.  The  Open:  Man  and  Animal.  Board  of  Trustees  of  the  Leland  Stanford     Junior  University,  2004.   Baudrillard,  Jean.  Simulacra  and  Simulation  (The  Body,  In  Theory:  Histories  of  Cultural     Materialism).  USA:  University  of  Michigan  Press,  1995.   Bangsø,  Olav  et  al.  “Non-­‐linear  interactive  storytelling  using  object-­‐oriented  Bayesian     networks.”  Proceedings  of  the  International  Conference  on  Computer  Games:  Artificial   Intelligence,  Design  and  Education,  2004.   Braidotti,  Rosi.  “Posthuman,  All  Too  Human  Towards  a  New  Process  Ontology.”  Theory,  Culture     &  Society  2006;  23   Carroll,  Noel.  The  Philosophy  of  Horror  or  Paradoxes  of  the  Heart.  London:  Routledge,  1990.   Datson,  D.  and  Mitman,  G.  The  How  and  Why  of  Thinking  with  Animals,  In:  Thinking  With     Animals.  USA:  Columbia  University  Press,  2005:  1-­‐14.   Ernst,  Max.  Beyond  Painting  and  Other  Writing  by  the  Artist  and  His  Friends,  ed.  B.  Karpel,       Schultz,  1948.   Gee,  Malcolm.  “Life  and  work”.  www.moma.org.  Web.  1999.     http://www.moma.org/m/explore/collection/art_terms/1752/0/1.iphone_ajax?klass=ar tist   Haraway,  Donna.  “A  Cyborg  Manifesto:  Science,  Technology,  and  Socialist-­‐Feminism  in  the  Late     Twentieth  Century.”  Simians,  Cyborgs  and  Women:  The  Reinvention  of  Nature.  New   York:  Routledge,  1991.  149-­‐181.  Print.     Johnston,  David  Jhave.  “2009  :  David  Clark’s  88  Constellations  for  Wittgenstein”.  Digital  Poetry     44   Overview.  Web.  2009.     <  http://glia.ca/conu/digitalPoetics/prehistoric-­‐blog/2011/04/15/2009-­‐david-­‐clarks-­‐88-­‐ constellations-­‐for-­‐wittgenstein/  >   Kristeva,  Julia.  Powers  of  Horror:  An  Essay  on  Abjection.  Trans.  Leon  S.  Roudiez.       New  York:  Columbia  University  Press,  1982.   Lamb,  D.  S.  “Mythical  Monsters.”  American  Anthropologist,  New  Series,  Vol.  2,  No.  2,  1900:     277-­‐291     Levine,  George.  “The  Ambiguous  Heritage  of  Frankenstein.”  The  Endurance  of  “Frankenstein”:     Essays  on  Mary  Shelley’s  novel.  ed.  George  Levine  and  U.  C.  Knoepflmacher.  Los     Angeles:  Univ.  of  California  Press,  1979:  3-­‐30   Meadows,  Mark  Stephen.  Pause  &  Effect:  The  Art  of  Interactive  Narrative.  Indiana:  New  Riders,     2003.   Moore,  Alan  (w),  Stephen  Bissett  and  John  Totleben  (p),  and  Tatjana  Wood  (i).  "The  Anatomy     Lesson."  The  Saga  of  Swamp  Thing  #21  (Feb.  1984)  New  York:  DC  Comics  Inc.   Shelley,  Mary.  Frankenstein;  or,  The  Modern  Prometheus.  Signet  Classic.  Scarborough:  The  New     American  Library  of  Canada  Ltd,  1965.   Snyder,  Scott  (w),  Yanick  Paquette  (p),  and  Nathan  Fairbairn  (i).  "When  It  Comes  A  Knockin’"     Swamp  Thing  #2  (Dec.  2011)  New  York:  DC  Comics  Inc.   Varner,  Gary  R.  The  Mythic  Forest,  the  Green  Man  and  the  Spirit  of  Nature:  The  Re-­‐Emergence     of  the  Spirit  of  Nature  from  Ancient  Times  Into  Modern  Society.  New  York:  Algora     Publishing,  2006.  Print.       45     Bibliography   Berger,  John.  About  Looking.  Vintage,  1992.   Andreyev,  Julie.  “Animal  Lover.”  2009.     Benjamin,  Walter.  "The  Work  of  Art  in  the  Age  of  Mechanical  Reproduction,"  Illuminations.     United  States  by  Schocken  Books,  a  division  of  Random  House,  Inc.,  New  York.  1955   Cox,  Christoph.  “Of  Humans,  Animals,  and  Monsters.”  Becoming  Animal:  Contemporary  Art  in     the  Animal  Kingdom.  Ed.  Nato  Thompson.  Illustrated  Edition.  The  MIT  Press,  2005.     Print.   Charlesworth,  J.J.  “David  Altmejd:  Shapeshifter.”  Art  Rev,  2007:12   Deleuze,  Gilles  and  Felix  Guattari.  A  Thousand  Plateaus:  Capitalism  and  Schizophrenia.     London  and  New  York:  Continuum,  2004.   Deleuze,  Gilles  and  Felix  Guattari.  What  is  Philosophy?.  Columbia  University  Press,  1994.   Derrida,  Jacques.  “The  Animal  That  Therefore  I  am.”  Critical Inquiry, Vol. 28, No. 2 (Winter, 2002), pp. 369-418   Kafka,  Franz,  and  Corngold,  Stanley.  The  Metamorphosis.  First  Edition.  Bantam  Classics,  1986.     Kibbins,  Gary.  “A  Is  For  Apple”.  www.aisforapple.net.  2002.  Web.  2002:  3       Lai,  Larissa.  Salt  Fish  Girl.  Toronto:  Thomas  Allen,  2002.   Lemire,  Jeff  (w),  Travel  Foreman  (p),  and  Dan  Green  (i).  "The  Hunt."  Animal  Man,  Vol  1.  (May     2012)  New  York:  DC  Comics  Inc.   Lemire,  Jeff  (w),  Jeff  Lemire  (p),  and  Jose  Villarrubia  (i).  "Out  of  the  Woods."  Sweet  Tooth,  Vol  1.     (July  2010)  New  York:  Vertigo  Comics  Inc.   46   Leydier,  R.  “David  Altmejd:  gigantomachies  /  We  Might  Be  Giants:  David  Altmejd  in         Grenoble.”  Art  Press  356  (2009):  31-­‐6.  Print.   Morison,  Heather  &  Ivan.  Falling  Into  Place.  Fabrications,  2009.  Print.     Morrison,  Grant  (w),  Chas  Truog  and  Tom  Grummett  (p),  and  Doug  Hazelwood  (i).  "Animal     Man"  Animal  Man,  Book  1.  (May  2001)  New  York:  DC  Comics  Inc.   Owens,  Craig.  “The  Allegorical  Impulse:  Toward  a  Theory  of  Postmodernism.”  October,       1980:  12   Piccinini,  Patricia.  “In  Another  Life.”  Wellington  City  Gallery.  2006.                                 Powell,  Dave.  “Chimera  Contemporary:  The  Enduring  Art  of  the  Composite  Beast.”  Leonardo,     2004:  4   Thompson,  Nato.  “Monstrous  Empathy.”  Becoming  Animal:  Contemporary  Art  in  the  Animal     Kingdom.  Illustrated  Edition.  The  MIT  Press,  2005.  Print.       47